martes, 30 de noviembre de 2010

Una verdad incómoda

Banksy es el pseudónimo de un artista del graffiti británico, se sabe poco acerca de su identidad.Utiliza el graffiti para promover visiones distintas a las de los grandes medios de comunicación. también trabaja cobrando para organizaciones como MTV o Puma y para organizaciones benéficas como Greenpeace. Los temas más repetidos en todas sus obras son ratas, soldados orinando, lugares típicos donde los turistas desearan hacer una foto sin pintadas y otras cosas más en esa línea. Algunas de sus obras han sido vendidas por una gran cantidad. sus obras son una denuncia a la sociedad.

En el capítulo MoneyBart de la temporada 22 de Los Simpsons, Bansky ha sido el encargado de hacer la cabecera. Al comienzo, vemos a Bart como de costumbre escribiendo una frase en la pizarra: "No debo escribir en las paredes" y está escrito por toda la clase, después comenzamos a ver el nombre de Bansky por muchas fachadas de Springfield. Aquí comienza la crítica que quiere hacer Bansky, dura aproximádamente un minuto. Cuando la familia se sienta en el sofá como es normal en cada comienzo de la serie, Bansky nos traslada a un taller donde aparecen trabajadores asiáticos explotados, trabajando para realizar la serie, vemos después como matan gatos para rellenar peluches de la serie, la explotación de un panda como mula de carga, la cabeza de un delfín muerto para pegar cajas con su lengua e incluso un unicornio al cual encadenado, utilizan para poder hacer el agujero a los dvd's. Para finalizar, aparece el exterior de ese taller y vemos que se trata de los estudios de la 20th Century Fox, que están en Corea del Sur y es donde es producida la serie de los Simpsons.

Los Simpsons es una serie de animación creada por Matt Groening que se tiene un éxito tremendo, desde sus inicios antes de 1990, en la serie se hace una crítica constante a las costumbres norteamericanas y de todo el mundo en general, nos hacen ver con comedia la verdad actual. La serie a veces ha hecho que sectores conservadores protesten. En mi opinión personal acerca de la serie, es que es una de las mejores series de animación de todos los tiempos, que no ha sido superada por otra serie de animación. Aunque muchas veces los capítulos se repitan una y otra vez, es una serie que engancha y ya te puedes saber los diálogos, que lo seguirás viendo una vez tras otra y riéndote con los mismos chistes.

lunes, 29 de noviembre de 2010

440 palabras sobre un crítico urbano.

Banksy, así se hace llamar el artista del graffiti de orígenes británicos que llena las calles con sus llamativas y críticas pinturas que sin duda, son obra de un gran artista.
Entre sus curiosos graffitis que mezclan dibujo y escritura hechos, la mayoría de las veces, con plantillas encontramos grandes críticas políticas, económicas y sociales que con un tono sarcástico e irónico nos llegan de una forma mucho más intensa y personal que hace que reflexionemos cuando nos encontramos ante ellos.
El graffitero sin duda, más popular hoy día es el resultado de claras influencias del artista francés Blek le Rat, o de la banda anarco-punk Crass, el propio Banksy ha admitido que lo que él hace Blek le Rat lo hizo 20 años antes, aunque obviamente, no de la misma manera, ni con esa firma tan peculiar que hoy, Banksy añade a todas las paredes que toca.
Critica y critica una y otra vez las injusticias que nos rodean, esas que tenemos frente a nosotros y sin embargo, no queremos ver, aquellas que defienden los derechos de aquellos grupos sociales a los que no queremos oír o que no nos conviene escuchar.
Puedo pensar que Banksy no quiere darse a conocer personalmente porque su sueño no es ser conocido, sino, que su obra sea conocida como tal, como lo que es, sin dejarse influir en ningún momento porque su personalidad caiga bien o por el contrario caiga mal, como a muchos otros artistas, hoy día les ocurre.
Banksy no desea eso cuando nos muestra a dos policías de la guardia inglesa besándose, él no quiere que le juzguemos como alguien que defiende la homosexualidad sino que veamos y nos quedemos impactados ante su obra, el graffitero nos obliga prácticamente a quedarnos perplejos y a reflexionar ante su obra, ante su dibujo que muestra aquello que otros, anteriormente, no se han atrevido a representar por el qué dirán.
"El qué dirán", algo que parece darle igual al graffitero ya que nos deja descargarnos las imágenes de su página web, pero sin embargo, son muy pocos los que han tenido el placer de entrevistarlo o de escribir algunas líneas sobre el artista.

Sin embargo, nos es Banksy precisamente un protagonista al que aclamen las masas de forma personal, ya que hasta el momento es bastante impersonal, no se conoce su identidad como tal, se sabe que pudiera ser de Yate una población cercana a Bristol, sin embargo, no se sabe con certeza nada de lo que rodea al artista.
Esta desconocida identidad no influye porque su obra está dotada de personalidad suficiente, nos deja tan plenos que no sentimos la necesidad de conocer al artista, sino, de salir a la calle para observar lo nuevo de Banksy, la última "gamberrada" que se le habrá ocurrido, quién será el protagonista esta vez de su mural o a quién será el objetivo de crítica de su pintada.



Alicia Ruiz Peñarrubia
1ºHistoria del Artte
Grupo 12
Banksy

El arte de la violación


Paula Morán Ortín

¿ Qué sabemos de Banksy? Nació en Bristol en 1974, a finales de los 80´s se unió al boom del aerosol que se daba en la zona lo que le llevo a ser uno de los artistas contemporáneos más prolíficos y su obra tiene gran influencia de Blet Le Rat, un grafitero parisino de quién tomó la técnica del estarcido.

Banksy utiliza plantillas, aerosoles y grandes dosis de ironía y de cinismo para crear sátiras políticas y morales que, planteadas como un objeto urbano más, consiguen afincarse en la mente de los ciudadanos y sacudir sus consciencias y sociedades.

En un época en la que el mérito del artista radica no tanto en su obra como en su manera de venderla *”En lugar de la leyenda del bohemio, del rebelde inadaptado, el artista se convierte en una especie de agente cultural, relaciones públicas y técnico de comunicación, todo a la vez, para poder conseguir el acceso al circuito institucional” Así, el gran público cree que la vida del artista es vivir del lujo sin haberse “partido el lomo trabajando” y su indignación aumenta y sube ,como la espuma, la sensación de que ese mundo que no entiende le excluye sin darle opciones, y entonces se encuentra con Banksy.

Lo primero que llama la atención de este artista es su anonimato, el hecho de poder cruzarte con él por la calle y no reconocerlo, de no generar a su alrededor un corro de admiradores y curiosos. Porque Banksy no busca ser reconocido en la mirada de la gente, sino que las miradas se posen en su obra y vean lo que él ve y sientan como él siente. Recontextualizando el espacio público para mostrar que no es tan raro ni tan banal cuestionarse el mundo. Lo segundo que impacta es el medio, el graffiti, algo que muchos suelen considerar sucio y vandalismo consigue revelar ,a poco que se rasca, la hipocresía que lleva a admirar lo detestado tras saberse que tiene prestigio. Pero lo que realmente impacta es que la idea no es ensuciar las paredes sino reclamar su parte del lugar público para despertar a la población, que ha sido domesticada por el miedo que las instituciones generan al crear paranoias y conspiraciones. Lo que Banksy persigue es hacer que la gente reaccione y no se conforme con su rutina aún sabiendo que la de otra gente es luchar por su vida y, más cercano a su “1º Mundo”, rebelarse ante la monotonía, la hipocresía, la intolerancia y los convencionalismos.

Despertar. Salir al mundo y gritar lo que se piensa y luchar por aquello en lo que se cree. Romper los moldes, las banderas, las burbujas de gaseosa y las fronteras. Construir como lo hacen los niños, con un montón de colores y el estómago lleno. Mancharse hasta sonreír, y llorar, y aceptar que somos humanos y salir a la calle con el corazón y la cabeza puestos para conseguir un mundo donde no haya que gritarse unos a otros por intentar ser felices aunque haya que violar todas las concepciones.

*J. Jimenéz Teoría del Arte

domingo, 28 de noviembre de 2010

El Show de Banksy


El famoso grafitero Banksy interviene en un capítulo de la serie los Simpson, emitido en EEUU, en la temporada 22 de esta famosa serie, en el capítulo titulado” MoneyBart”
Cuando la familia Simpson se sienta en el sofá a ver la tele, la acción se traslada a un taller en China, donde cientos de trabajadores hacen los dibujos de la serie y fabrican todo el "merchandising" en unas condiciones laborales espantosas: explotados, trabajan a destajo entre ratas, huesos humanos y animales. Hasta se ve cómo meten a gatos vivos en una máquina y utilizar su pelo para rellenar los muñecos de los personajes que luego se venderán en las tiendas.
Esto constituye sin duda alguna una de las mayores críticas que ha recibido nunca la serie Los Simpson, cosa que por otra parte era de esperar, si contratas a un grafitero, cuyo tema principal es la denuncia social para hacer la cabecera de tu programa porque por mucho que los Simpson sea la serie de animación favorita de varias generaciones desde hace mas de 20 años y que constituyan la que seguramente es la mayor sátira que se ha hecho nunca a la sociedad americana, Banksy es capaz de sacar los defectos de tu serie.
Otras de las críticas que aparecen en esta intro de Los Simpson la recibe la multinacional 20th Century Fox, plasmada por Banksy como una cárcel de máxima seguridad.
A raíz de esta intro de Banksy se ha criticado muy duramente que los productores de los Simpson contraten empresas coreanas para realizar la mayor parte de las animaciones, cosa que a mí personalmente no me parece para nada mal es mas yo lo haría ¿por qué no hacerlo si la calidad no es mala y la mano de obra más barata? obviamente también habría que ver las condiciones de trabajo, que es lo que critica Banksy.
Tampoco me parece justa la crítica en la medida en que critica que la Fox contrate empresas coreanas y luego él es capaz de vender obras a gente como Brad Pitt y Angelina Jolie por algunos varios de millones de libras, o sea critica que la Fox por mirar por su dinero, pero a él no le importa meterse en el bolsillo una sustanciosa cantidad de dinero. ¿Cinismo?
El caso es que este grafitero de Bristol también trabaja cobrando para organizaciones benéficas como Greenpeace y para empresas como Puma y MTV, y vende cuadros hasta por 25.000 libras en circuitos comerciales o en la galería de su agente, Steve Lazarides. Un juego de obras de Banksy se vendió en la casa de subastas Sotheby's por 50.400 libras.

WHY NOT


Sofía Corrales



Qué bonita utopía. Las ciudades pintadas por las personas que la habitan, como si fuera su casa y tuvieran el derecho de ponerla de la forma más agradable. Las paredes que hablan sobre lo que realmente se busca decir. La inexistencia de razones para oponerse a esto. La belleza de la opinión que se escucha, se comparta o no.
Esto es lo que busca Banksy, el artista callejero más famoso de hoy en día, de identidad oculta pero pensamientos profundos, fuertes, y manifiestos. Ganas de ser escuchado, visto, percibido, sea como sea. Eso es Banksy. Si no quieres oírlo, tendrás que verlo. Si no quieres verlo, te aguantas.

Como dice Oscar Masotta, intelectual argentino, de trayectoria en diversos campos culturales, “El mundo no está en lo que se ve, sino en la propia mirada” .

Banksy no quiere que veas lo que él ve. Quiere que veas como él ve, es decir, cuestionándose su alrededor, confiando en sus opiniones y manifestándolas. (Teniendo en cuenta que equivocarse es de sabios).

Banksy desnuda, a través de su arte urbano y con una increíble voluntad polémica y poética, muchos de los lugares comunes del capitalismo, inventando una “contragalería” con una lucha vital por el espacio público.
Público quiere decir, según la RAE, “Perteneciente o relativo a todo el pueblo”. Banksy reivindica constantemente durante su obra y su trayectoria este derecho a utilizar o modificar aquello que como parte del pueblo también le pertenece. Si el espacio público fuese realmente público el graffiti no se debería considerar vandalismo, como muchos lo llaman, sino decoración, derecho que todos tenemos a ejercer, y, en algunas ocasiones, arte.

“Empecé a hacer graffiti cuando tenía alrededor de 14 años, y la gente siempre pregunta; ¿qué te hace hacerlo? Pero la pregunta era siempre, en realidad, ¿porqué no ibas a hacerlo?”

Me parece muy resaltable este aspecto de su obra, que realmente no tiene una razón para ser, sino que no hay nada por lo que no pueda hacerlo. Si piensas algo, ¿por qué no decirlo? Si tienes algo que mostrar ¿por qué no enseñarlo? Si piensas de una manera ¿Por qué no manifestarlo? ¿Por qué?



Esto es el origen de la obra de Banksy, un artista que no busca un reconocimiento como tal, sino una audición de sus principios, una atención a sus denuncias sociales. Su anonimato deja en evidencia sus claras intenciones, que, si bien podían haber sido buscar un cierto reconocimiento como artista (que ya habría obtenido de haberse identificado), lo dejan aparte para centrar el foco en su mensaje. Resalto esta característica como excepcional porque no es común que los artistas dejen de lado su ego. Mensaje antes que emisor. Confianza y fe en sus ideas antes que fama como artista.

Citando al propio Banksy, “Mueres dos veces, una cuando dejas de respirar, y la segunda vez, cuando alguien pronuncia tu nombre por última vez”.

Si esto, es cierto, larga vida a Banksy está más que asegurada.

Los dibujos son para los niños

O eso creráimos, hasta que Los Simpson irrumpieron en nuestras vidas. Recuerdo que mis padres no me dejaban verlos porque decían que esos no eran dibujos para niños. Y es verdad, o a medias, al menos. Un alto porcentaje de sus diálogos y gags son de imposible comprensión por parte de los tiernos infantes (y ni qué decir de ciertos adultos).

Hasta que Los Simpson aparecieron en la televisión no había habido dibujo animado alguno que osara tratar temas tan controvertidos y difíciles de abordar como la política, la religión, la sexualidad (y la homosexualidad), la ecología, el papel de la mujer como ama de casa (o trabajadora), la inmigración, el divorcio y tantos otros. Y por eso estamos hablando de que son dibujos para adultos, no para niños (aunque esta afirmación lleva implícita la presunción de que los adultos que se sientan a ver la serie tienen un mínimo de formación política y cultural para poder entender los chistes más irreverentes, cosa harto improbable).

Tal es la repercusión social, cultural, política y religiosa que esta serie ha tenido que no son pocos los personajes, más o menos célebres, que se han paseado por las calles de Springfield. Desde presidentes de Estados Unidos a actores de Hollywood, pasando por reputados físicos y premios Nobel.

De corte liberal (aunque me río yo de lo que a los estadounidenses les parece liberal, porque Obama es un comunista de tomo y lomo para muchos de ellos), la serie no duda en criticar y parodiar tanto a demócratas como a republicanos, a católicos como a protestantes, y no tiembla a la hora de ensalzar la estulticia frente a la sapiencia y el esfuerzo personal (todavía me acuerdo del pobre "Graimito").

Es una serie con personajes llevados al extremo: ninguno de ellos es "un poco", sino "totalmente". No hay medias tintas, pues lo que busca es poner de relieve las carencias, en concreto, de la sociedad estadounidense, y en general, de cualquier familia, de cualquier barrio, de cualquier país del mundo. Nadie está exento de ser un poco Homer o un poco Lisa. Sin suda hay tramas que a nosotros, por españoles, nos resultan extrañas, lejanas, pero casi siempre podemos extraer el mensaje y aplicárnoslo sin temor a errar al compararnos con la familia amarilla.

Siguiendo la estela de este formato de humor inteligente y sutil (tanto que algunos ni siquiera saben de qué se están riendo en más de una ocasión), han aparecido otras series, también de animación, que han querido beber de la originalidad de Los Simpson pero, aunque ya muchos achacan su desgaste y falta de chispa, ninguna ha podido superar el nivel que Matt Groening supo imprimir a la serie.

“El Marco Incomparable”


MªLUISA CRESPO GRUPO:12 “El Marco Incomparable”
Banksy realiza su obras en paredes públicas. Las lleva a cabo tratando de transmitir una idea, sensación o reivindicación y es ahí donde Banksy destaca, puesto que deja de lado la parte más egocéntrica de la mayoría de los escritores, los cuales buscan crear algo a partir de su nombre o apodo. Este londinense siempre desarrolla sus obras buscando remover conciencias con un mensaje revolucionario y crítico sobre la sociedad. Para ello utiliza el paisaje urbano y estudia la forma en que un muro y sus formas y características puede ser utilizado para llamar la atención del transeúnte y hacerle pensar. Un escritor más, en principio, con unos ideales más definidos. La forma en que lo hace es utilizando la mayoría de las veces la técnica de las plantillas.
El carácter legal o ilegal de sus trabajos, este tema es un eterno debate dentro del mundo del graffiti, puesto que este nace de una forma paralela a las reglas establecidas por el sistema y si se hace de una forma legal puede perder su carácter de protesta. Y es aquí donde nace la controversia que ha creado su obra de “El marco incomparable” de Bilbao. Los escritores de aquella localidad son perseguidos y multados por pintar las paredes sea cual sea su mensaje, como cualquier otro ciudadano, al igual que Bansky en su ciudad natal supongo. La diferencia viene cuando el escritor cruza la línea de ser un simple joven con un aerosol, a remover conciencias alrededor del mundo entero y consigue llamar la atención de concejales y políticos, como para que quieran mantener o “legalizar” su obra y la del resto no.
Tal vez es por eso, que otros artistas han boicoteado sus obras. Tal vez también, intentando mandarle el mensaje de que sin quererlo, ni beberlo a cruzado la línea en la que el propio sistema se ha aprovechado de él con fines políticos o electorales, alegando que lo suyo, o por lo menos su estilo, si es muestra cultural.
Aun con todo esto el artista es consciente de la vida de sus obras y cuenta, que por mucho “bombo” que quieran darle los medios de comunicación, todo tiene un principio y un final. Esto denota que el artista es consciente de que el graffiti tiene una característica más que le diferencia del resto de las obras desorbitadamente caras que se puedan exhibir dentro de un museo, y es el periodo de vida de esta. Por otra parte me atrevo a asegurar que tarde o temprano una de las suyas acabara en un futuro en la sala de alguno, gracias a que el sistema absorbe todo.

sábado, 27 de noviembre de 2010

¿Rasca y Pica?

Cuan ingenua fue la decisión de la Fox, Matt Groening y demás personas que realizan la serie de dibujos Los Simpson en elegir a una persona de la que tan siquiera se conoce su identidad y que cuya fama radica en eso, su misterio y sus obras, obras que son consideradas por algunas personas como vandálicas, pero obras al fin y al cabo. Estamos hablando de la cabecera que el graffitero Bansky realizó para la serie, emitida el 10 de Octubre en Estados Unidos, y que el artista utilizó para denunciar la explotación laboral en los países asiáticos a escala mundial, ya que este serial se emite en más de cuarenta países.

Además, realiza una dura crítica a la cadena que produce las peripecias de esta familia de Springfield, la cual lleva entreteniéndonos cada día en nuestros televisores durante más de dos décadas y cuyo humor y gancho reside también en una dura crítica de la sociedad estadounidense. Esta crítica a la cadena productora, 20th Century Fox, viene dada a que utiliza mano de obra externa proveniente de Corea del Sur para la realización de las imágenes que formarán parte de la serie; y así lo muestra nuestro artista, en un mugriento y lúgubre taller donde miles de coreanos trabajan los dibujos, camisetas, peluches y DVD’s de esta peculiar familia en condiciones infrahumanas.

Es fascinante cómo Bansky logra cambiar nuestro concepto sobre la serie en un par de minutos, ayudándose también de elementos metafóricos que a veces pasan desapercibidos, como el cartel de “ Tres días sin accidentes laborales” que está colgando Carl, compañero de Homer en la central nuclear, que intenta denunciar la falta de seguridad en el ámbito laboral mediante la satírica imagen de la caída de este personaje de de la escalera, o la presencia del unicornio, personaje mitológico que representaba la pureza y la inocencia; y se encuentra atrapado con cadenas, débil y desvalido, cayendo al suelo sin fuerzas y siendo su cuerno utilizado para hacer el agujero de los DVD’s, para simbolizar que lo que vemos en nuestros hogares carece de esa inocencia que desprende; además del desvanecimiento de la sensación de alegría que nos produce escuchar su banda sonora por otra mucho más lúgubre y oscura, al igual que el lugar que se nos muestra mientras que suenan esas tristes notas .

¿Crítica a la familia más crítica de la televisión, es decir, el cazador cazado cual Rasca y Pica?, ¿un feroz intento de seguir en la actualidad por parte de la serie, o simplemente un intento de promoción por parte de ambos bandos, que gozan de fama y reconocimiento a escala mundial? Una vez más, juzguen ustedes mismos.

Alba Moreno Burgos

1º Hª del Arte, Grupo 12

viernes, 26 de noviembre de 2010

La original cabecera de Banksy



Banksy es un artista del graffiti británico, según se dice nació en Yate una localidad cercana a Bristol en 1974, pero se desconocen muchos datos acerca de su identidad y biografía.

Su trabajo es principalmente, el de crear piezas satíricas en las que pueda hacer una critica sobre la cultura, la política, la moralidad…

Poco a poco sus obras se han ido haciendo famosas sobre todo en la ciudad de Londres.

Su última creación ha sido la cabecera de la serie los Simpsons, en concreto del tercer episodio de la temporada 22, titulado “MoneyBART” , en ella podemos ver como Banksy satiriza la industria del entretenimiento, o la explotación de la mano de obra.

Ya desde que comienza la secuencia de la cabecera, podemos ver el nombre de Banksy en las fachadas de la ciudad de Springfield y en algunas carteleras. Cuando la familia Simpsons se sienta en el sofá como en todas las cabeceras, Banksy llevara la escena mas allá, Traslada la acción a un taller en China, donde cientos de trabajadores hacen los dibujos de la serie y fabrican todo el "merchandising" en unas condiciones laborales penosas, niños explotados trabajan constantemente, y no solo estos sino que también nos muestra animales como ratas, gatos con lo que se utiliza su pelo para poder rellenar los muñecos que mas tarde se venderán en las tiendas, un unicornio desolado y encadenado, sirve para perforar los DVD´s de la famosa serie. Y termina mostrándonos el gran emblema de la FOX, en una cárcel vigilado por esos grandes focos que se suelen colocar en la mayoría de películas creando así un aspecto de intriga, de misterio.

Realiza la critica a la serie, a la cadena y es esta quien difunde la critica de Banksy, ya que la serie plasma criticas constantes sobre la política, la sociedad… Esto ha generado gran polémica debido que gran parte de la producción del programa es hecho en una compañia de Corea del Sur, siendo esto una gran burla a la cadena Fox ¿ porque no una critica mas?

En mi opinión Banksy lo que quiere es llamar la atención no solo con el tema de la cabecera de los Simpsons, sino con su propia vida, es un artista del que se desconoce su identidad, se realizan investigaciones varias sobre él, y sobre su vida pero ninguna de estas investigaciones es cien por cien fiable.

Banksy es un artista no muy conocido, todavía, pero según algunos artículos que he leído algunas de sus obras satíricas y burlescas han sido compradas por famosos como Brad Pitt y Angelina Jolie, las obras de este artista se venden por decenas de millones de libras.

Utiliza su arte callejero urbano para promover visiones diferentes a las que la sociedad esta acostumbrada, con el objetivo de satirizar y burlarse de ellas, creando una critica artística que difunde y manifiesta muy bien el mensaje.

Bla, bla, bla



Bla, bla, bla, por Clara del Olmo Rivas



Desde el mes pasado podemos leer en una ingente cantidad de noticias el siguiente titular: El graffitero británico Banksy se cuela en Los Simpsons.
Esto no tendría nada de particular, puesto que por esta magnífica serie han desfilado ya cientos de personajes, si no fuera porque Banksy no apareció en la serie, sino que formó parte de la creación de la intro de un capítulo.
Así pues, en el episodio Moneybart que se estrenó el pasado mes de octubre en Estados Unidos, el graffitero activista creó el guión gráfico de la serie mostrando a decenas de trabajadores asiáticos explotados en una fábrica clandestina, donde se les veía fabricando los personajes de la serie.
A partir de aquí ha surgido una serie de especulaciones en la cuales se pone en tela de juicio que los productores de Los Simpsons en realidad contraten empresas externas -concretamente coreanas- para que realicen la mayor parte de la animación.
Estoy leyendo numerosas fuentes al respecto…y en todas ellas se dice que Banksy, revolucionario como es él, utiliza el sarcasmo de Los Simpsons para hacer una crítica a la explotación laboral que se sufre en los países asiáticos. Leo que la opening es muy crítica con la Century Fox –canal donde se emite la serie- hasta el punto de que se hace extraño que la hayan emitido. Increíble.
Sigo leyendo… ¡y me topo con que los realizadores de Los Simpsons están arrepentidos de haber invitado al graffitero a diseñar la introducción! Incluso agregan un comentario de uno de ellos, al ver la repercusión que este tema ha tenido: ''Esto es lo que obtienes cuando contratas a terceros para que hagan tu trabajo''.
Vamos a ver, ¿hay alguien ahí?
Matt Groening quiso burlarse de los comentarios de la comercialización de su serie y necesitaba que tuviera impacto. Para ello eligió al controvertido graffitero sin rostro Banksy. No se quiso hacer crítica en ningún momento, sino parodia, a lo que siempre se han dedicado Los Simpsons. La serie juega con el ''a ver quien da más'' y los realizadores y productores moldean la imagen de Banksy para que no le muevan de su estatus de ''artista callejero'' que no devela su identidad, y por tanto, poco fiable.
Por lo que podemos ver, tal y como se proponían lo han conseguido: que se siga hablando. Ése es el secreto del éxito de los Simpsons: la buena polémica.
¡Ay! Si no te casas con este hombre...


1483.Las figuras estilizadas e idealizadas de Botticelli, las cuales aportan un profundo lirismo a sus obras, la esquematización del fondo, con sus colores delicados y brillantes, el fondo tranquilo y sereno nos transmiten un mensaje de lo más curioso e incluso irónico.
La historia que narra Botticelli en estos cuatro cuadros fueron extraídos de la octava novela de la quinta jornada del Decamerón de Boccaccio: “el infierno de los amantes crueles..” y tan crueles diría yo...
Nastagio, joven protagonista de los cuatro cuadros es rechazado por su amada, éste desconsolado se retira a los bosques, y allí tendrá una experiencia casi fantasmal: una mujer desnuda corre tras ser perseguida por unos perros que la atacan y un jinete que la dará muerte. La mujer asesinada, volverá a levantarse y echará a correr repitiéndose la misma escena. El objetivo de la repetición de esta escena tan horrible servirá para llamar la atención de Nastagio y hacerle reflexionar. Una vez comprendido el mensaje, Nastagio organizará un banquete en el que por su puesto deberá estar presente su amada, puesto que la imagen fantasmal volverá a repetirse y esta vez delante de ella. La joven, una vez contemplado lo ocurrido comprenderá que su destino será aceptar el matrimonio con el joven Nastagio, puesto que acaba de presenciar lo que la ocurrirá si lo rechaza.
De esta manera queda castigada la mujer, siendo destinada a no elegir ni su propio destino. Esta obra se realizó en el quattrocento, en el principio del Renacimiento italiano, cuando la mentalidad de la humanidad poco a poco iba abriéndose paso, pero en esta obra queda bien plasmado hasta que punto. La mujer sigue teniendo poco valor, y continúa siendo una sumisa del hombre.
La violencia del cuadro contrasta con la tranquilidad del paisaje de fondo. Lo más sorprendente de la obra es que no te esperas la violencia que plasma con un dibujo tan lírico, un paisaje tan tranquilo y unos colores tan poéticos.
Lo mas gracioso, curioso o irónico (no sabría bien como definirlo) de todo esto es que la serie de cuadros fue encargada como regalo de bodas con ocasión del matrimonio de Giannozzo Pucci con Lucrecia Bini. Exactamente me gustaría hacer un hincapié en esta parte. ¿Porqué este regalo de bodas?, ¿realmente de qué se trataba?. Lo único que se me ocurre es que precisamente sea como una especie de aviso hacia la prometida... no lo sé, pero espero que jamás me regalen algo así el día de mi boda, claro que hoy en día... tengo voz y boto. Me encantaría saber qué fue lo que se le pasó por la cabeza a Lucrecia Bini ante tal presente.
Es una situación condicional, es una situación entre la sumisión y el miedo, o la sumisión por el miedo. Una mujer no podía ser feliz de este modo.

jueves, 25 de noviembre de 2010

La vida es sueño y los sueños...

Belén Morgade, grupo 12.

Ya hace siglos Calderón de la Barca nos dijo aquello de que “La vida es sueño” y ahora el director Christopher Nolan logra ponernos a soñar con una producción impresionante y un argumento que merece más atención del que normalmente los espectadores estamos acostumbrados. Origen es tan difícil como una trampa para dedos pero no deja de ser una simple trampa. Es una muy buena película que trabaja sobre la psique humana y la delgada línea entre los verdaderos recuerdos, las posibilidades de lo que aconteció y los recovecos de la cabeza. Nos atrapa.

Desde luego hace plantearte el hecho de que diariamente, en nuestra vida laboral y personal, intentamos influir en los demás para que compartan nuestras ideas, nuestros puntos de vista. Tratamos de convencer, hacer cambiar de idea a las otra personas. Constantemente intentamos, consciente o inconscientemente, hacer crecer en los demás ideas que responden a nuestros intereses o nuestras convicciones.

“¿Qué es más duro de eliminar que un parásito? Una idea. En los sueños somos capaces de cambiar y pensar lo que queramos. Son nuestros. Ese cartel de película de una ciudad plegándose sobre ella misma, o ese puente que se construye solo o una ciudad parisina explotando como en un anuncio de Bravia. ¿No es bonito ser arquitecto de nuestra propia vida?

El personaje al que interpreta Leonardo Di Caprio (Cobb), vive atormentado por la muerte de su mujer, a la que solo puede ver en sueños y a la que no quiere dejar escapar. No quiere olvidarse de ella, y por eso ha creado un sueño especial en el que viven la decena de recuerdos con ella y que él debería cambiar.

En esta situación no encontramos con un Leonardo Di Caprio que está en la misma encrucijada en la que estuvo Keanu Reeves en Matrix: ¿La pastilla roja o la pastilla azul? ¿Saber qué es Matrix o vivir en la ignorancia? ¿Vivir en el mundo de realidad o pasarte la eternidad en un sueño con tu mujer?

Y es que todo depende del punto de vista. Una paradoja como sueños dentro de sueños, o el cambiar un sueño mientras se está soñando.

"Si yo estoy allí es real, porque nunca he estado en el sueño. Yo soy el tipo que inventó lo de los sueños" Y es que al final, si la peonza deja o no deja de girar la igual, todo depende del punto de vista.

Y es que remitiéndome al principio, tal y como dijo Calderón:

“¿Qué es la vida? Un frenesí.
¿Qué es la vida? Una ilusión,
una sombra, una ficción;
y el mayor bien es pequeño;
que toda la vida es sueño,
y los sueños, sueños son.”

D' oh!


El 10 de Octubre de este mismo año, se publicaba a través de la afamada cadena americana, la FOX, una secuencia de apertura dirigida y escrita por Banksy en uno de los últimos capítulos de nuestros amados Simpson.

Esta secuencia nos muestra en principio el inicio típico de cualquier capítulo, excepto por las pintadas en las que se inscribe el nombre de dicho artista, hasta llegar al gag del sofá. Tras ver a la familia sentada en su apretado asiento se suceden una serie de imágenes lúgubres que nos descubren, a modo de crítica, la explotación que la empresa de la 20th Fox ejerce sobre la productora que posee en Corea del Sur; nos muestra las condiciones de trabajo de los obreros, que en muchos casos son niños, y como el ingente y absurdo merchandising los mantiene esclavizados. Incluso, se atreve a introducir animales, también explotados, que sirven para la secuencia a modo de crítica medioambiental que supongo aludirá al impacto que las productoras ejercen sobre la naturaleza.

En penúltima instancia, aparece la imagen de un unicornio exhausto y desvalido, cuyo cuerno sirve para agujerear los dvd’s de difusión de la serie; aludiendo sin duda al aburrimiento y falta de creatividad e imaginación de la serie, que como vemos cada vez más recurre a argumentos absurdos de una fantasía inverosímil y aburrida.

Por ultimo, muestra el emblema de dicha cadena, que en este caso se representa como una gran cárcel vigilada y aislada que engloba lo ya representado, dejando clara la postura de Banksy y Groening a cerca de todo lo anterior hablado.

El hecho de que estos dos artistas se vean inmersos precisamente en este mundo nos hace dudar de su intención final. Parece que los dos critican y satirizan el sistema y los aspectos políticos y sociales más decadentes, pero cobran por ello cantidades ingentes y se ven envueltos en el mundo de producción y comercialización capitalista. No obstante, como bien sabemos, es imposible cambiar o transmitir algo de esta índole al mundo si no estamos inmersos en su sistema, por lo que de un modo u otro podemos esperar algo más (lejos de la avaricia,) de estos dos personajes.

Lo más desconcertante, sin duda, es el hecho de que esta misma productora haya publicado la secuencia, pues evidentemente no la pone en buen lugar. Lo único que podríamos dilucidar de esto sería, o bien una intención para que estos mensajes terminen de impactar e insensibilicen a la gente (sobre todo porque se muestra a través de dibujos, lo que le da menos seriedad), o la intención de crear polémica y con ello incrementar su nivel de audiencia. En todo caso, la respuesta tanto de los dos artistas como de la cadena, no se hará esperar.

The sound of Silence Alfredo Jaar

ALFREDO JAAR

The sound of Silence

El autor chileno parte de una pequeña instalación (Galería Oliva Arauna) en la céntrica calle Barquillo en pleno centro de Madrid. El autor trata de hacernos entrar en una gran confrontación y nos intenta meter dentro de un mundo subdesarrollado. Al lado de cada foco está enfocada una foto de ese mundo lo cual cuando nos adentramos en la sala y comienza el video del periodista Kevin Carter y la niña sudafricana la cual está mal alimentada y parece que la aceche un buitre.

Bajo mi punto de vista el autor nos hace reflexionar sobre el tercer mundo y hace una especie de llamada al mundo para reclamar algo que no estamos haciendo bien. El video y la instantánea de Kevin Carter son impresionantes ya que por un lado pensamos en que Kevin ayudase a la niña porque parece que el buitre esté cerca, pero relatos como el de Joao Silva quien acompañó a Carter al viaje defienden que el buitre estaba a diez metros y la niña estaba orinando. Kevin Carter se suicidó al no poder aguantar la presión de la masa popular pero recibió un premio Pulitzer en 1994. Desde mi punto de vista yo no estaría favor de Kevin ya que se colgó esa medalla suicidándose de manera cobarde.

La obra muestra imágenes de personas con grandes problemas en países pobres. Me ha sorprendido la obra de Jaar ya que con muy poco material crea una especie de catarsis y confrontación interior. Los focos alumbrando potentemente pretenden representar la parte exterior desde donde estamos y nos intenta decir con la luz que estamos cegados no ayudando a los desfavorecidos como nos muestra dentro de la pequeña sala. La catarsis está servida sólo hay que pensar qué es lo correcto y cuales son las perspectivas que tenemos cada uno de nostros para poder solventar dichos problemas.

La obra de Jaar me causó gran impacto ya que se te hace difícil olvidar esas imágenes ya que en nuestro cerebro se produce ese choque y una especie de metamorfosis que hace que salgamos de la galería con una idea totalmente distinta a la que teníamos. La obra de Jaar es impresionante tiene su obra un gran matiz de carácter muy moderno e incluso se podría decir que adelantado para su época ya que en pocas ocasiones se hacen este tipo de críticas o llamadas al mundo. Es un gran paso para la humanidad que haya autores cómo éste ya que permiten que pensemos y nos desarrollemos. El autor cuenta con una carrera impresionante de obras pero seguro que esta plasma la realidad como pocas.





Mario Losada Valtueña Grupo 12 1º Grado en Hª del Arte

PISANDO FUERTE.

Belén Morgade, grupo 12.

Carlos Garaicoa, artista contemporáneo nacido en La habana en 1967 cuya obra está caracterizada por el interés del artista por la ciudad con especial atención a la capital cubana sobre la cual el artista ha trabajado.

En "Fin de Silencio", obra hecha expresamente para la sala "Abierto x Obras" del Matadero de Madrid, Garaicoa establece un vínculo entre dos ciudades: Madrid y La Habana, contraponiendo sus respectivas realidades políticas a través de siete tapices y dos proyecciones de vídeo.

Los tapices son réplicas de fotografías tomadas en La Habana de propagandas en el suelo, que mezcladas, modifican el mensaje del original obligando al espectador a reflexionar sobre su significado y las sensaciones que le produce dicho tapiz, mientras que los videos muestran los lugares reales donde se tomaron las originales, situando la cámara y al espectador de tal forma que se vean los pasos de los viandantes.

Para acceder a la instalación el autor obliga a descalzarse a los espectadores ya que estos deben sobre las alfombras para apreciar los mensajes que Garaicoa ha formado. Cabe destacar como algo positivo el tacto de los pies con el tapiz bajo una ilusión óptica de que parece que uno está pisando piedra sólida.

'Los títulos son muy particulares y me interesaba mucho esa transferencia de la palabra hacia un espacio del individuo en un proceso, en este caso, poético o de escritura paralela',dijo el artista sobre sus tapices.

Garaicoa, trata de romper el mito de que las obras no pueden tocarse al incitar al espectador a caminar sobre una zona alfombrada, como si de niños pequeños se tratara, así como la metáfora que supone el hecho de que sean alfombras que están en el suelo, insinuando que tras esas propagandas revolucionarias en La Habana se esconde la mierda, la suciedad al igual que debajo de las alfombras de una casa, así, como el hecho de que el que suelo representa también las pisadas, las huellas, huellas que aquellos revolucionarios a pesar de su incomodidad, molestia, han dejado en La Habana, en sus suelos, en su historia.

Su pretensión de un posible cambio social hace de su obra una exposición de lo más interesante. Resulta una obra innovadora y original que nos invita a pensar, reflexionar sobre lo que pasa en el mundo actual, la situación en la que vivimos y de algún modo otro, acabar con ese silencio, hacernos opinar, modificar, cuestionar realidades, poner fin del silencio que nos domina.


UN GUEVARA GRAFITERO



Ya hace varios años que podemos ver, en los rincones de diversas ciudades del mundo, como son Londres o Bristol (Inglaterra), estas obras que componen una gran denuncia social y, sobre todo, política.

Su autor, que se hace llamar Banksy, permanece oculto, ¿Por qué? ¿Tiene miedo a enfrentarse a la gran diversidad de opiniones y críticas que ha levantado su original forma de expresarse? bajo mi punto de vista, el mantener su identidad oculta bajo este pseudónimo forma parte de esta manifestación, por llamarlo de alguna manera, que lleva a cabo desde el inicio de su carrera.

Indagando en internet, viendo películas y ojeando revistas he llegado a una conclusión: Banksy ha realizado numerosas pintadas en varias ciudades, ha colocado sus obras en famosos museos y exposiciones e incluso ha realizados sus propias exposiciones, gracias a esto se está haciendo rico, muchos famosos compran sus obras por cantidades muy elevadas y al final Banksy se está convirtiendo en aquello contra lo que se manifestaba.

Por otro lado he visto como la gente comenta cosas como que nació en Yate, Bristol en 1974, que es hijo de un técnico de fotocopiadoras o que iba para carnicero, pero que… ¿no se supone que su identidad está aún por determinar? ¿O sí se sabe quién es este original artista? En mi opinión, esto de ocultarse no es más que una publicidad, una manera de hacer más llamativo su arte.

Su street-art me parece muy original, creo que es una manera muy buena de hacer llegar al público ese mensaje, eso de hacer verdaderas obras de arte en las calles es una buena manera de darse a conocer, por lo menos para algunos.

Sus piezas son satíricas o meramente burlescas sobre la cultura pop, las etnias, la moralidad pero sobre todo sobre la política, tiene un modo de expresarse o quejarse del mundo un tanto exótico.

Como ya he comentado podemos ver su arte en la calle, pero también en exposiciones en las que podemos ver, por ejemplo, un elefante pintado como el papel de la pared, pero desde el 2003 Banksy aparece ya en películas. “Exit Through the Gift Shop” es el título de la película en la que un hombre intrigado por el arte callejero se embarca en un viaje por las calles de diferentes ciudades viendo graffitis y graffiteros hasta que da con la obra de Banksy y comienza a copiarla.

A parte de realizar composiciones en las que se combina la escritura con la técnica del estarcido o las plantillas, ha realizado también el encabezamiento de la internacional serie “the simpsons” en el que, siguiendo con su “revolución política”, denuncia las condiciones de los trabajadores, en este caso orientales, que realizan productos altamente comerciales.

Desde mi punto de vista un luchador lo es hasta el final y no se pasa al bando contra el que lucha bajo ningún concepto, que es lo que le está pasando a este enigmático personaje.

Belleza, que difícil de definir eres.

Todo comienza en el año 2002, cuando fueron desvelados numerosos datos acerca de abusos sexuales por parte de sacerdotes. A partir de la frase citada por el papa Juan Pablo II (“Una gran obra de arte puede ser mancillada, pero su belleza permanece; esta es una verdad que reconoce todo crítico de inteligencia honrada”) para proteger en cierto modo el órgano que es la Iglesia, surgen un gran numero de interrogantes acerca de qué es la belleza, cómo es considerada dentro de la sociedad, el gran numero de variantes que tiene dependiendo del contexto en el que se utilice dicho término….
Se habla de una belleza perecedera, que con el paso del tiempo y tras muchos retoques y transposiciones conceptuales se ha llegado a hablar de distintos tipos de belleza.
Volviendo al término de belleza empleado por el papa, poco cabria de esperar que se refiriera a una belleza material, sino más bien a una belleza espiritual, una belleza interna, una belleza inmutable que si llegara a materializarse lo haría en forma de arte.
Para lograr una definición que exprese con precisión la palabra belleza deberíamos prestar atención a su historia, a los distintos significados que ha tenido esta palabra. Al no dar con una significación común que la designe se llegó a suponer que había un órgano o capacidad para registrar la belleía (es decir, el valor de cada obra de arte) el llamado “gusto” , sin embargo, esto trajo consigo un problema. A pesar de que un grupo de entendidos se pusiera de acuerdo en designar que algo era bello, no sólo basándose en criterios visibles, siempre surgían otro tipo de criterios privados. Kant para tratar este tipo de problema propuso la facultad del juicio, por la cual se debería llegar a un criterio común. Sin embargo, el flexible criterio empírico del gusto no se correspondía para nada en como eran consideradas las obras de arte (irrefutablemente grandes o bellas).
Por otra parte a medida que las posiciones relativistas se introducían cada vez mas en asuntos culturales, comenzaban a surgir distintas concepciones de belleza. Afirmando así Valéry que la belleza es indefinible por naturaleza.
Al presentar tantos fallos, la idea de belleza comienza a desacreditarse así como el valor del juicio como algo imparcial u objetivo. Se concluye finalmente, que la belleza es una antitesis de lo feo,¿ pero que se considera como feo?
Del mismo modo que se esta dejando de calificar algo de feo, se está apartando la separación buen gusto / mal gusto (sin embargo, el buen gusto se está comenzando a relacionar directamente con el arte y la literatura, sin tener que ser de por sí considerados de buen gusto o bellos en su defecto).
Retornemos a las distintas aplicaciones que ha tenido la belleza a lo largo de la historia. Que la belleza se aplicara a unas cosas y no ha otras se convirtió en su atractivo, estableciendo así distintos rangos que se relacionaban con un orden social. Lo que había sido una virtud (la belleza excluyente) con el paso del tiempo se volvió negativa, pasando a ocupar la belleza una posición elitista.
Designar algo de interesante trae dentro de sí una valoración mucho más indiscutible que el designar algo de bello, lo interesante tiene como antónimo lo aburrido. Cari Schmitt declaró que el liberalismo era aburrido en “El concepto de lo político”, dando a entender que el drama, la sal, el conflicto son interesantes. En la actualidad, algo se califica de interesante para no tener que elaborar un juicio sobre la belleza (hoy en día lo interesante es un concepto consumista).
La belleza desde siempre se ha considerado como un ideal una perfección relacionada con el género femenino, mientras que el hombre siempre ha sido más temible que hermoso, con la intención de impresionar en vez de seducir.
Por lo general, se supone que la belleza es una categoría estética, lo que la enfrenta para muchos, directamente con la ética. Sin embargo ya desde Platón se venia considerando que lo estético mismo es un proyecto casi moral (belleza formal y belleza intelectual). Del mismo modo siempre se ha tendido a dividir la belleza, en belleza interna, externa, superior, inferior… con ello los juicios morales colonizan los juicios de lo bello.
Sin embargo, en ocasiones la belleza no tiene que ser bonita, hermosa, alegre… de echo las cosas tristes como la guerra, las muertes… pueden llegar a tener una belleza mucho mas abrumadora.
Según Hegel, la belleza creada es más elevada que la belleza natural, puesto que es el mismo hombre quien la ha creado con sus conocimientos y cultura naturales.
Tras haber hablado de cómo consideran otras personas la belleza, de cómo a lo largo del tiempo se ha ido trasformando su sentido, en definitiva qué es la belleza, me gustaría dar mi propio concepto de belleza:
Ya se ha demostrado que la belleza difiere según las personas, eso es algo lógico. Algo es bonito o bello si en cuanto lo miras te llena, te entra un no se qué que sin darte cuenta, te pone una sonrisa en la boca o por le contrario te inunda de tristeza (opino que el que algo te resulte bello es porque se relaciona directamente con los sentimientos). Cada cosa que te parezca bella es porque inconscientemente la estás relacionando con algo de tu vida un recuerdo, una frase, un lugar, una persona…por ello digo que no hay una belleza universal, sino todo lo contrario una belleza individual que se puede hacer plural a otras personas por medio del gusto.







Ana Viguera Rajal
Grupo 12

miércoles, 24 de noviembre de 2010

Cuando hablamos de GRAFFITI decimos BANKSY.


Belén Morgade, grupo 12.

El pintar en las paredes tiene su origen prácticamente desde nuestra existencia, ya en las paredes de las cuevas rupestres pintaban nuestros antepasados. En Grecia y Roma también tenían la costumbre de pintar en sus paredes y tiempos como en el Renacimiento nos podemos encontrar obras tan espectaculares como la de la Capilla Sixtina, de Miguel Ángel.

Los graffitis (o pintadas) sirvieron como propaganda electoral, ejemplo de ello los Nazis en la II Guerra Mundial.

Generalmente se le reconoce como acto de rebeldía. Ya hace poco mas de cien años, en 1904, que salio al mercado la primera revista dedicada al graffiti, más concretamente los de los lavabos, Antropophyteia.

Algunos graffiteros eran estudiantes e hicieron uso de este arte para manifestar sus inquietudes e ideologías. Lo utilizaron en contra del régimen de Hitler y en los años 60 y 70 las movidas estudiantiles precursores del graffiti con plantilla.

Se empezó a desarrollar a finales de la década de los setenta en Nueva York y en Filadelfia, algunos artistas pintaron su nombre en las estaciones de Metro de Manhattan.

Harlem, barrio altamente conflictivo y pobre de Nueva York se sumó a esta manera de expresarse, lo perfeccionó y lo extendió al resto del mundo. Fue como un caldo de cultivo.

Los graffiteros que buscaban popularidad optaron por pintar sobre trenes, así sus obras podían ser contempladas por distintas ciudades y así conseguir fama.

Otros graffiteros optaron por las plantillas; un sistema rápido y efectivo para concienciar a la población. En este último subconjunto es donde nos encontramos con Banksy.

Policías que se besan, La Mona Lisa sonriendo con un bazooka, ratas que cortan candados y cadenas, un tigre que escapa de su cárcel-código de barras,pájaros que destrozan cámaras de seguridad...Probablemente Banksy sea el principal exponente del arte callejero actual, por su capacidad para crear un discurso crítico, por su interacción con la ciudad y por su pericia a la hora de buscar el más difícil todavía y seguir conservando el anonimato.

Banksy dijo una vez: “Imagina una ciudad en la que el graffiti no es ilegal, una ciudad en la que todo el mundo puede pintar donde quiera. Donde cada calle está inundada con millones de colores y pequeñas frases. Donde esperar el autobús nunca ha sido aburrido. Una ciudad viva que pertenece a todos, no solo al estado y a los dueños de grandes negocios. Imagina una ciudad así y no te acerques demasiado a la pared, está recién pintada”

Porque jugar con las mentes y los pensamientos de la gente es otra forma también de jugar con el arte, y esque es innegable que Banksy ha conseguido hacerse un hueco en lo que llamamos arte.

Finalmente aludir a una frase que la policía metropolitana dijo en referencia a Banksy y “su arte”: “There’s no way you’re going to get a quote from us to use”.

BUITRE YO, BUITRE TÚ, BUITRES TODOS.

Belén Morgade, grupo 12.

Tres mujeres(Aung San Suu Kyi, Premio Nobel de la Paz 1991 que está en arresto domiciliario en Birmania; Graça Machel, activista por los derechos infantiles, ex ministra de Educación y Cultura de Mozambique y actual esposa de Nelson Mandela, y Ela Bhatt, presidenta del Banco Mundial de la Mujer en la India). Uno entra en la galería con una luz dirigida hacia una pequeña figura, que, según avanza, se convierte en dos más, hasta que es llevado hacia una gran pantalla de luz, pasa por un pasillo oscuro y termina siendo objeto de una foto... Todo ello relacionado con la prensa y las cuestiones que los medios deciden enfocar y las que ignoran.

La figura central del vídeo es Kevin Carter, el fotógrafo sudafricano que se suicidó, en 1994, meses después de recibir el Premio Pulitzer por la instantánea que tomó en Sudán en la que un buitre observa a una niña desnutrida.

Alfredo Jaar (Santiago de Chile, 1956) invita al espectador de la obra "The Sound of Silence" a reflexionar sobre el impacto que tuvo esa foto en el mundo entero y en la vida de Carter con un ritmo muy monótono, lento, que resulta hasta casi un canto “Kevin…Kevin…Kevin Carter”.

La filosofía de ambas piezas es que vivimos una situación paradójica: nunca antes fuimos bombardeados por tantas imágenes, pero nunca hemos estados sometidos a tanto control por parte de los medios de comunicación. Según Jaar, “sabemos leer y escribir, pero cuando se trata de imágenes, todos somos analfabetos” porque nadie nos ha enseñado a traducir una imagen.

Lo cierto es que la descontextualización hoy es un gran problema que nos impide tener la comunicación adecuada. Es muy difícil para una imagen de dolor comunicar que estamos metidos de cabeza en un mundo donde reina el consumismo que nos hace imposible ver la realidad en si, la finalidad (en este caso) de una foto, la foto de Kevin Carter.

El autor dice que sus obras son “ejercicios frustrados de su impotencia” insinuándonos que todos somos el buitre porque somos conscientes de la situación de hambre que hay en el mundo. Pretende denunciar la actitud de silencio que existe en la actualidad con respecto a la pobreza pero, ¿no es acaso una ironía que venda esta obra? Porque aún siendo una crítica, una denuncia, ¿no saca beneficios él también de una situación de pobreza al igual que los medios y los ricos?. Con todos mis respetos hacia este artista, ¿no es una actitud de lo más hipócrita ponerle precio a esa obra a costa de una situación tercermundista?... así que yo me pregunto, ¿quién es el buitre en realidad?

BOTTICELLI.


Belén Morgade, grupo 12.

La historia de Nastagio degli Onesti es una narración de Boccaccio conocida principalmente por un ciclo de cuatro cuadros del pintor italiano renacentista Sandro Botticelli. Fueron ejecutados en1483, al temple sobre tabla.

Se creía que esta serie de Botticelli pertenecía al formato renacentista de los cassoni matrimoniales (arcones o baúles de lujo elaborados como regalo nupcial, que se decoraban en sus lados mayores con pinturas alegóricas, generalmente de un contenido moralizante considerado apropiado para la pareja). La hipótesis actual más extendida apunta a se trataban de spallieras (paneles decorativos que se encastraban en paredes forradas de madera) ya que estas tablas son demasiado grandes para un arcón o baúl. Lo único que se sabe con seguridad es que fueron un encargo de Lorenzo el Magnífico (otras fuentes indican que era encargo de Antonio Pucci, padre del novio) como regalo para Giannozzo Pucci con ocasión de su matrimonio con Lucrezia Bini, matrimonio celebrado en 1483. En el tercer y cuarto panel aparecen los escudos de armas de las dos familias.

Las tres primeras obras están en el Museo del Prado de Madrid
y la cuarta imagen de la serie se encuentra en una Colección particular en Suiza.

En la primera tabla, aparece caminando por el bosque y oye de pronto unos gritos desgarradores y ve venir a una mujer perseguida por un caballero que cabalga sobre un caballo negro, con la espada en la mano y el rostro desencajado por la ira. Nastagio trata de salvarla, pero el caballero (Guido degli Anastagi), le aparta y le explica la razón de su conducta. En otro tiempo él amó a esta mujer, pero ella no correspondió a su afecto, por lo cual él se quitó la vida.

En la segunda se muestra el castigo perpetuo de ambos pecados, la frialdad de ella y el suicidio de él (ambas mal vistas por la Iglesia), que consiste repetir una y otra vez la caza y muerte que Nastagio había presenciado. Al oír esto, Nastagio se da cuenta de que puede sacar provecho práctico de ello y decide dar un banquete en el mismo lugar donde cada semana se reproduce la sangrienta escena.

En la tercera, prepara, un banquete para su amada, e invita con ella a un conjunto diverso de personas. Sentadas las mujeres frente al lugar donde debe volver a aparecerse la espeluznante visión. Tras verla y según Filomena, tan grande es el temor que embarga a la joven de correr la misma suerte, que transformando en amor su enemistad se ofrece inmediatamente a Nastagio.

Por último, en la cuarta escena tras pedirle él matrimonia y acceder ella, aparece representado el banquete de la boda.

¿Un genio “griego” , una copia “romana o un discipulo virtuoso?

Sonia Martin Fernandez
Grado en Historia del Arte
Teoria del Arte
Grupo 12



La cultura griega fue pionera y originaria en la evolución de la escultura, sin embargo, lo que ha perdurado en nuestros días y por ello, lo que se ha hecho “famoso”, son las copias romanas de estas espectaculares esculturas. Trasladando este tema a nuestros días se me ocurre un ejemplo de algo parecido: Banksy.

Este artista británico, del cual se desconoce su verdadera identidad y edad, se ha convertido de la noche a la mañana en un GENIO en potencia, en mayúsculas, un genio del arte critico, y, como todo genio, su misteriosa identidad tanto personal, como artística no ha quedado exenta de polémica.

Empezando por el misterio que se esconde tras su imagen real, lo que acrecienta el mito, seguido de las criticas que se han realizado por parte de sectores que creen que su obra al ser en formato graffiti no es arte, sino vandalismo y por otros artistas que le han tachado, no sin cierta razón, de ser un vendido, puesto que a pesar de ser un artista critico, aspecto que se visualiza claramente en toda su obra, también esta aprovechando el filón de su fama y esta ganando mucho dinero por sus creaciones.

Este genio mitificado ha plasmado sus criticas sarcásticas, geniales por medio Reino Unido e incluso en el muro de Gaza, ha vendido cuadros a los mismísimos Brad Pitt y Angelina Jolie, ha conseguido colar sus cuadros en el MOMA, en el Tate Gallery, el Museo Británico…sin lugar a dudas sabe darse publicidad y lograr sus propósitos.
Tiene una película basada en su figura e incluso ha creado y dirigido, no hace mucho una polémica cabecera de la internacionalmente famosa serie de animación Los Simpson. ¿Qué mas se puede pedir?

Sin embargo, sin dejar de lado su gran talento me planteo, ¿Qué es Banksy en realidad? ¿Un genio surgido de la nada y original?¿Un aprendiz virtuoso? O quizá, ¿Solo una mera copia, muy buena, pero copia al fin a al cabo de otro GENIO en mayúsculas, también, pero menos conocido?

¿A alguien le suena el nombre de Blek le Rat? Para quien no sepa quien es le hago un breve resumen, Blek le Rat, es otro artista, otro GENIO del arte critico y otro graffitero, con tantas similitudes, ¿Qué es lo que le diferencia de Banksy? Podemos decir que hay tres diferencias notables, la primera, este artista es francés, segundo, su identidad si es conocida y la tercera y mas importante hace lo mismo que Banksy, pero desde 20 años antes que el.

¡Que ironía¡ Del que se conoce la identidad es mas bien anónimo y del que se desconoce se ha convertido en un artista reconocidísimo. Quizá sea casualidad, quizá no.

Banksy admite su parecido con este otro artista, su inspiración en el e incluso que muchas veces no es nada original, como dijo en una entrevista:
"Cada vez que creo que he pintado algo ligeramente original, me doy cuenta de que Blek Le Rat lo hizo mejor, sólo que veinte años antes."

Quizá no haya que tacharle de plagio, sino como he planteado antes, sea un “discípulo” virtuoso que ha logrado traspasar el concepto de arte, critica social y arte urbano creando un personaje que se ha convertido en uno de los GRANDES del siglo XX y XXI.