The sound of Silence Alfredo Jaar

ALFREDO JAAR

The sound of Silence

El autor chileno parte de una pequeña instalación (Galería Oliva Arauna) en la céntrica calle Barquillo en pleno centro de Madrid. El autor trata de hacernos entrar en una gran confrontación y nos intenta meter dentro de un mundo subdesarrollado. Al lado de cada foco está enfocada una foto de ese mundo lo cual cuando nos adentramos en la sala y comienza el video del periodista Kevin Carter y la niña sudafricana la cual está mal alimentada y parece que la aceche un buitre.

Bajo mi punto de vista el autor nos hace reflexionar sobre el tercer mundo y hace una especie de llamada al mundo para reclamar algo que no estamos haciendo bien. El video y la instantánea de Kevin Carter son impresionantes ya que por un lado pensamos en que Kevin ayudase a la niña porque parece que el buitre esté cerca, pero relatos como el de Joao Silva quien acompañó a Carter al viaje defienden que el buitre estaba a diez metros y la niña estaba orinando. Kevin Carter se suicidó al no poder aguantar la presión de la masa popular pero recibió un premio Pulitzer en 1994. Desde mi punto de vista yo no estaría favor de Kevin ya que se colgó esa medalla suicidándose de manera cobarde.

La obra muestra imágenes de personas con grandes problemas en países pobres. Me ha sorprendido la obra de Jaar ya que con muy poco material crea una especie de catarsis y confrontación interior. Los focos alumbrando potentemente pretenden representar la parte exterior desde donde estamos y nos intenta decir con la luz que estamos cegados no ayudando a los desfavorecidos como nos muestra dentro de la pequeña sala. La catarsis está servida sólo hay que pensar qué es lo correcto y cuales son las perspectivas que tenemos cada uno de nostros para poder solventar dichos problemas.

La obra de Jaar me causó gran impacto ya que se te hace difícil olvidar esas imágenes ya que en nuestro cerebro se produce ese choque y una especie de metamorfosis que hace que salgamos de la galería con una idea totalmente distinta a la que teníamos. La obra de Jaar es impresionante tiene su obra un gran matiz de carácter muy moderno e incluso se podría decir que adelantado para su época ya que en pocas ocasiones se hacen este tipo de críticas o llamadas al mundo. Es un gran paso para la humanidad que haya autores cómo éste ya que permiten que pensemos y nos desarrollemos. El autor cuenta con una carrera impresionante de obras pero seguro que esta plasma la realidad como pocas.

Mario Losada Valtueña Grupo 12 1º Grado en Hª del Arte

PISANDO FUERTE.

Belén Morgade, grupo 12.

Carlos Garaicoa, artista contemporáneo nacido en La habana en 1967 cuya obra está caracterizada por el interés del artista por la ciudad con especial atención a la capital cubana sobre la cual el artista ha trabajado.

En "Fin de Silencio", obra hecha expresamente para la sala "Abierto x Obras" del Matadero de Madrid, Garaicoa establece un vínculo entre dos ciudades: Madrid y La Habana, contraponiendo sus respectivas realidades políticas a través de siete tapices y dos proyecciones de vídeo.

Los tapices son réplicas de fotografías tomadas en La Habana de propagandas en el suelo, que mezcladas, modifican el mensaje del original obligando al espectador a reflexionar sobre su significado y las sensaciones que le produce dicho tapiz, mientras que los videos muestran los lugares reales donde se tomaron las originales, situando la cámara y al espectador de tal forma que se vean los pasos de los viandantes.

Para acceder a la instalación el autor obliga a descalzarse a los espectadores ya que estos deben sobre las alfombras para apreciar los mensajes que Garaicoa ha formado. Cabe destacar como algo positivo el tacto de los pies con el tapiz bajo una ilusión óptica de que parece que uno está pisando piedra sólida.

'Los títulos son muy particulares y me interesaba mucho esa transferencia de la palabra hacia un espacio del individuo en un proceso, en este caso, poético o de escritura paralela',dijo el artista sobre sus tapices.

Garaicoa, trata de romper el mito de que las obras no pueden tocarse al incitar al espectador a caminar sobre una zona alfombrada, como si de niños pequeños se tratara, así como la metáfora que supone el hecho de que sean alfombras que están en el suelo, insinuando que tras esas propagandas revolucionarias en La Habana se esconde la mierda, la suciedad al igual que debajo de las alfombras de una casa, así, como el hecho de que el que suelo representa también las pisadas, las huellas, huellas que aquellos revolucionarios a pesar de su incomodidad, molestia, han dejado en La Habana, en sus suelos, en su historia.

Su pretensión de un posible cambio social hace de su obra una exposición de lo más interesante. Resulta una obra innovadora y original que nos invita a pensar, reflexionar sobre lo que pasa en el mundo actual, la situación en la que vivimos y de algún modo otro, acabar con ese silencio, hacernos opinar, modificar, cuestionar realidades, poner fin del silencio que nos domina.

UN GUEVARA GRAFITERO

Ya hace varios años que podemos ver, en los rincones de diversas ciudades del mundo, como son Londres o Bristol (Inglaterra), estas obras que componen una gran denuncia social y, sobre todo, política.

Su autor, que se hace llamar Banksy, permanece oculto, ¿Por qué? ¿Tiene miedo a enfrentarse a la gran diversidad de opiniones y críticas que ha levantado su original forma de expresarse? bajo mi punto de vista, el mantener su identidad oculta bajo este pseudónimo forma parte de esta manifestación, por llamarlo de alguna manera, que lleva a cabo desde el inicio de su carrera.

Indagando en internet, viendo películas y ojeando revistas he llegado a una conclusión: Banksy ha realizado numerosas pintadas en varias ciudades, ha colocado sus obras en famosos museos y exposiciones e incluso ha realizados sus propias exposiciones, gracias a esto se está haciendo rico, muchos famosos compran sus obras por cantidades muy elevadas y al final Banksy se está convirtiendo en aquello contra lo que se manifestaba.

Por otro lado he visto como la gente comenta cosas como que nació en Yate, Bristol en 1974, que es hijo de un técnico de fotocopiadoras o que iba para carnicero, pero que… ¿no se supone que su identidad está aún por determinar? ¿O sí se sabe quién es este original artista? En mi opinión, esto de ocultarse no es más que una publicidad, una manera de hacer más llamativo su arte.

Su street-art me parece muy original, creo que es una manera muy buena de hacer llegar al público ese mensaje, eso de hacer verdaderas obras de arte en las calles es una buena manera de darse a conocer, por lo menos para algunos.

Sus piezas son satíricas o meramente burlescas sobre la cultura pop, las etnias, la moralidad pero sobre todo sobre la política, tiene un modo de expresarse o quejarse del mundo un tanto exótico.

Como ya he comentado podemos ver su arte en la calle, pero también en exposiciones en las que podemos ver, por ejemplo, un elefante pintado como el papel de la pared, pero desde el 2003 Banksy aparece ya en películas. “Exit Through the Gift Shop” es el título de la película en la que un hombre intrigado por el arte callejero se embarca en un viaje por las calles de diferentes ciudades viendo graffitis y graffiteros hasta que da con la obra de Banksy y comienza a copiarla.

A parte de realizar composiciones en las que se combina la escritura con la técnica del estarcido o las plantillas, ha realizado también el encabezamiento de la internacional serie “the simpsons” en el que, siguiendo con su “revolución política”, denuncia las condiciones de los trabajadores, en este caso orientales, que realizan productos altamente comerciales.

Desde mi punto de vista un luchador lo es hasta el final y no se pasa al bando contra el que lucha bajo ningún concepto, que es lo que le está pasando a este enigmático personaje.

Belleza, que difícil de definir eres.

Todo comienza en el año 2002, cuando fueron desvelados numerosos datos acerca de abusos sexuales por parte de sacerdotes. A partir de la frase citada por el papa Juan Pablo II (“Una gran obra de arte puede ser mancillada, pero su belleza permanece; esta es una verdad que reconoce todo crítico de inteligencia honrada”) para proteger en cierto modo el órgano que es la Iglesia, surgen un gran numero de interrogantes acerca de qué es la belleza, cómo es considerada dentro de la sociedad, el gran numero de variantes que tiene dependiendo del contexto en el que se utilice dicho término….
Se habla de una belleza perecedera, que con el paso del tiempo y tras muchos retoques y transposiciones conceptuales se ha llegado a hablar de distintos tipos de belleza.
Volviendo al término de belleza empleado por el papa, poco cabria de esperar que se refiriera a una belleza material, sino más bien a una belleza espiritual, una belleza interna, una belleza inmutable que si llegara a materializarse lo haría en forma de arte.
Para lograr una definición que exprese con precisión la palabra belleza deberíamos prestar atención a su historia, a los distintos significados que ha tenido esta palabra. Al no dar con una significación común que la designe se llegó a suponer que había un órgano o capacidad para registrar la belleía (es decir, el valor de cada obra de arte) el llamado “gusto” , sin embargo, esto trajo consigo un problema. A pesar de que un grupo de entendidos se pusiera de acuerdo en designar que algo era bello, no sólo basándose en criterios visibles, siempre surgían otro tipo de criterios privados. Kant para tratar este tipo de problema propuso la facultad del juicio, por la cual se debería llegar a un criterio común. Sin embargo, el flexible criterio empírico del gusto no se correspondía para nada en como eran consideradas las obras de arte (irrefutablemente grandes o bellas).
Por otra parte a medida que las posiciones relativistas se introducían cada vez mas en asuntos culturales, comenzaban a surgir distintas concepciones de belleza. Afirmando así Valéry que la belleza es indefinible por naturaleza.
Al presentar tantos fallos, la idea de belleza comienza a desacreditarse así como el valor del juicio como algo imparcial u objetivo. Se concluye finalmente, que la belleza es una antitesis de lo feo,¿ pero que se considera como feo?
Del mismo modo que se esta dejando de calificar algo de feo, se está apartando la separación buen gusto / mal gusto (sin embargo, el buen gusto se está comenzando a relacionar directamente con el arte y la literatura, sin tener que ser de por sí considerados de buen gusto o bellos en su defecto).
Retornemos a las distintas aplicaciones que ha tenido la belleza a lo largo de la historia. Que la belleza se aplicara a unas cosas y no ha otras se convirtió en su atractivo, estableciendo así distintos rangos que se relacionaban con un orden social. Lo que había sido una virtud (la belleza excluyente) con el paso del tiempo se volvió negativa, pasando a ocupar la belleza una posición elitista.
Designar algo de interesante trae dentro de sí una valoración mucho más indiscutible que el designar algo de bello, lo interesante tiene como antónimo lo aburrido. Cari Schmitt declaró que el liberalismo era aburrido en “El concepto de lo político”, dando a entender que el drama, la sal, el conflicto son interesantes. En la actualidad, algo se califica de interesante para no tener que elaborar un juicio sobre la belleza (hoy en día lo interesante es un concepto consumista).
La belleza desde siempre se ha considerado como un ideal una perfección relacionada con el género femenino, mientras que el hombre siempre ha sido más temible que hermoso, con la intención de impresionar en vez de seducir.
Por lo general, se supone que la belleza es una categoría estética, lo que la enfrenta para muchos, directamente con la ética. Sin embargo ya desde Platón se venia considerando que lo estético mismo es un proyecto casi moral (belleza formal y belleza intelectual). Del mismo modo siempre se ha tendido a dividir la belleza, en belleza interna, externa, superior, inferior… con ello los juicios morales colonizan los juicios de lo bello.
Sin embargo, en ocasiones la belleza no tiene que ser bonita, hermosa, alegre… de echo las cosas tristes como la guerra, las muertes… pueden llegar a tener una belleza mucho mas abrumadora.
Según Hegel, la belleza creada es más elevada que la belleza natural, puesto que es el mismo hombre quien la ha creado con sus conocimientos y cultura naturales.
Tras haber hablado de cómo consideran otras personas la belleza, de cómo a lo largo del tiempo se ha ido trasformando su sentido, en definitiva qué es la belleza, me gustaría dar mi propio concepto de belleza:
Ya se ha demostrado que la belleza difiere según las personas, eso es algo lógico. Algo es bonito o bello si en cuanto lo miras te llena, te entra un no se qué que sin darte cuenta, te pone una sonrisa en la boca o por le contrario te inunda de tristeza (opino que el que algo te resulte bello es porque se relaciona directamente con los sentimientos). Cada cosa que te parezca bella es porque inconscientemente la estás relacionando con algo de tu vida un recuerdo, una frase, un lugar, una persona…por ello digo que no hay una belleza universal, sino todo lo contrario una belleza individual que se puede hacer plural a otras personas por medio del gusto.







Ana Viguera Rajal
Grupo 12

Cuando hablamos de GRAFFITI decimos BANKSY.

Belén Morgade, grupo 12.

El pintar en las paredes tiene su origen prácticamente desde nuestra existencia, ya en las paredes de las cuevas rupestres pintaban nuestros antepasados. En Grecia y Roma también tenían la costumbre de pintar en sus paredes y tiempos como en el Renacimiento nos podemos encontrar obras tan espectaculares como la de la Capilla Sixtina, de Miguel Ángel.

Los graffitis (o pintadas) sirvieron como propaganda electoral, ejemplo de ello los Nazis en la II Guerra Mundial.

Generalmente se le reconoce como acto de rebeldía. Ya hace poco mas de cien años, en 1904, que salio al mercado la primera revista dedicada al graffiti, más concretamente los de los lavabos, Antropophyteia.

Algunos graffiteros eran estudiantes e hicieron uso de este arte para manifestar sus inquietudes e ideologías. Lo utilizaron en contra del régimen de Hitler y en los años 60 y 70 las movidas estudiantiles precursores del graffiti con plantilla.

Se empezó a desarrollar a finales de la década de los setenta en Nueva York y en Filadelfia, algunos artistas pintaron su nombre en las estaciones de Metro de Manhattan.

Harlem, barrio altamente conflictivo y pobre de Nueva York se sumó a esta manera de expresarse, lo perfeccionó y lo extendió al resto del mundo. Fue como un caldo de cultivo.

Los graffiteros que buscaban popularidad optaron por pintar sobre trenes, así sus obras podían ser contempladas por distintas ciudades y así conseguir fama.

Otros graffiteros optaron por las plantillas; un sistema rápido y efectivo para concienciar a la población. En este último subconjunto es donde nos encontramos con Banksy.

Policías que se besan, La Mona Lisa sonriendo con un bazooka, ratas que cortan candados y cadenas, un tigre que escapa de su cárcel-código de barras,pájaros que destrozan cámaras de seguridad...Probablemente Banksy sea el principal exponente del arte callejero actual, por su capacidad para crear un discurso crítico, por su interacción con la ciudad y por su pericia a la hora de buscar el más difícil todavía y seguir conservando el anonimato.

Banksy dijo una vez: “Imagina una ciudad en la que el graffiti no es ilegal, una ciudad en la que todo el mundo puede pintar donde quiera. Donde cada calle está inundada con millones de colores y pequeñas frases. Donde esperar el autobús nunca ha sido aburrido. Una ciudad viva que pertenece a todos, no solo al estado y a los dueños de grandes negocios. Imagina una ciudad así y no te acerques demasiado a la pared, está recién pintada”

Porque jugar con las mentes y los pensamientos de la gente es otra forma también de jugar con el arte, y esque es innegable que Banksy ha conseguido hacerse un hueco en lo que llamamos arte.

Finalmente aludir a una frase que la policía metropolitana dijo en referencia a Banksy y “su arte”: “There’s no way you’re going to get a quote from us to use”.

BUITRE YO, BUITRE TÚ, BUITRES TODOS.

Belén Morgade, grupo 12.

Tres mujeres(Aung San Suu Kyi, Premio Nobel de la Paz 1991 que está en arresto domiciliario en Birmania; Graça Machel, activista por los derechos infantiles, ex ministra de Educación y Cultura de Mozambique y actual esposa de Nelson Mandela, y Ela Bhatt, presidenta del Banco Mundial de la Mujer en la India). Uno entra en la galería con una luz dirigida hacia una pequeña figura, que, según avanza, se convierte en dos más, hasta que es llevado hacia una gran pantalla de luz, pasa por un pasillo oscuro y termina siendo objeto de una foto... Todo ello relacionado con la prensa y las cuestiones que los medios deciden enfocar y las que ignoran.

La figura central del vídeo es Kevin Carter, el fotógrafo sudafricano que se suicidó, en 1994, meses después de recibir el Premio Pulitzer por la instantánea que tomó en Sudán en la que un buitre observa a una niña desnutrida.

Alfredo Jaar (Santiago de Chile, 1956) invita al espectador de la obra "The Sound of Silence" a reflexionar sobre el impacto que tuvo esa foto en el mundo entero y en la vida de Carter con un ritmo muy monótono, lento, que resulta hasta casi un canto “Kevin…Kevin…Kevin Carter”.

La filosofía de ambas piezas es que vivimos una situación paradójica: nunca antes fuimos bombardeados por tantas imágenes, pero nunca hemos estados sometidos a tanto control por parte de los medios de comunicación. Según Jaar, “sabemos leer y escribir, pero cuando se trata de imágenes, todos somos analfabetos” porque nadie nos ha enseñado a traducir una imagen.

Lo cierto es que la descontextualización hoy es un gran problema que nos impide tener la comunicación adecuada. Es muy difícil para una imagen de dolor comunicar que estamos metidos de cabeza en un mundo donde reina el consumismo que nos hace imposible ver la realidad en si, la finalidad (en este caso) de una foto, la foto de Kevin Carter.

El autor dice que sus obras son “ejercicios frustrados de su impotencia” insinuándonos que todos somos el buitre porque somos conscientes de la situación de hambre que hay en el mundo. Pretende denunciar la actitud de silencio que existe en la actualidad con respecto a la pobreza pero, ¿no es acaso una ironía que venda esta obra? Porque aún siendo una crítica, una denuncia, ¿no saca beneficios él también de una situación de pobreza al igual que los medios y los ricos?. Con todos mis respetos hacia este artista, ¿no es una actitud de lo más hipócrita ponerle precio a esa obra a costa de una situación tercermundista?... así que yo me pregunto, ¿quién es el buitre en realidad?

BOTTICELLI.

Belén Morgade, grupo 12.

La historia de Nastagio degli Onesti es una narración de Boccaccio conocida principalmente por un ciclo de cuatro cuadros del pintor italiano renacentista Sandro Botticelli. Fueron ejecutados en1483, al temple sobre tabla.

Se creía que esta serie de Botticelli pertenecía al formato renacentista de los cassoni matrimoniales (arcones o baúles de lujo elaborados como regalo nupcial, que se decoraban en sus lados mayores con pinturas alegóricas, generalmente de un contenido moralizante considerado apropiado para la pareja). La hipótesis actual más extendida apunta a se trataban de spallieras (paneles decorativos que se encastraban en paredes forradas de madera) ya que estas tablas son demasiado grandes para un arcón o baúl. Lo único que se sabe con seguridad es que fueron un encargo de Lorenzo el Magnífico (otras fuentes indican que era encargo de Antonio Pucci, padre del novio) como regalo para Giannozzo Pucci con ocasión de su matrimonio con Lucrezia Bini, matrimonio celebrado en 1483. En el tercer y cuarto panel aparecen los escudos de armas de las dos familias.

Las tres primeras obras están en el Museo del Prado de Madrid
y la cuarta imagen de la serie se encuentra en una Colección particular en Suiza.

En la primera tabla, aparece caminando por el bosque y oye de pronto unos gritos desgarradores y ve venir a una mujer perseguida por un caballero que cabalga sobre un caballo negro, con la espada en la mano y el rostro desencajado por la ira. Nastagio trata de salvarla, pero el caballero (Guido degli Anastagi), le aparta y le explica la razón de su conducta. En otro tiempo él amó a esta mujer, pero ella no correspondió a su afecto, por lo cual él se quitó la vida.

En la segunda se muestra el castigo perpetuo de ambos pecados, la frialdad de ella y el suicidio de él (ambas mal vistas por la Iglesia), que consiste repetir una y otra vez la caza y muerte que Nastagio había presenciado. Al oír esto, Nastagio se da cuenta de que puede sacar provecho práctico de ello y decide dar un banquete en el mismo lugar donde cada semana se reproduce la sangrienta escena.

En la tercera, prepara, un banquete para su amada, e invita con ella a un conjunto diverso de personas. Sentadas las mujeres frente al lugar donde debe volver a aparecerse la espeluznante visión. Tras verla y según Filomena, tan grande es el temor que embarga a la joven de correr la misma suerte, que transformando en amor su enemistad se ofrece inmediatamente a Nastagio.

Por último, en la cuarta escena tras pedirle él matrimonia y acceder ella, aparece representado el banquete de la boda.